九月底的伦敦，天色总带着一层化不开的阴沉。从大英博物馆出来时，脚下的石板路还留着晨雾般的湿凉，由于当日行程项目比较多，根本来不及细品这座美丽的建筑，匆忙来到一家餐馆 ，午餐是源自19世纪伦敦的经典国民热食炸鱼薯条（Fish and Chips），接着在白金汉宫周围转了一圈，再穿过飘着落叶的林荫道，特拉法加广场的轮廓在灰蒙中逐渐清晰。

当那座新古典主义建筑终于撞入眼帘 —— 粗壮的廊柱撑起巍峨穹顶，三角楣上的浮雕在阴沉天色里透着古希腊文明的庄严，我的心跳骤然加快。

The Nation's Gallery，中文翻译：国家画廊，又名：国家美术馆（维基百科图）

这便是我惦念了数年的英国国家美术馆，一座诞生于民众期盼、藏着2300 余幅人类艺术瑰宝的圣殿，而我，正以朝圣者的虔诚，奔赴这场迟到已久的约会。

这座位于伦敦特拉法加广场的英国国家美术馆，是世界上最伟大的美术馆之一，它向所有观众免费开放。它的宗旨是将公众与绘画作品联结在一起。其馆藏涵盖了 13 至 20 世纪的欧洲艺术代表作。其中包括 文艺复兴三杰达·芬奇、拉斐尔、米开朗基罗，以及欧洲画坛巨匠卡拉瓦乔、贝利尼、波提切利、提香、普桑、伦勃朗、鲁本斯、雷诺阿、莫奈、塞尚、德加、透纳、范·戴克、霍尔拜因、戈雅、委拉斯开兹和梵高等艺术家的作品。大师们在画廊云集，墙上的作品闪耀着神秘的光芒，这些作品都经历了数个世纪的历史沧桑，依然耀眼夺目，充满灵气。

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巴里厅（1872–1876），由E. M. 巴里设计

34号房间的圆顶，巴里厅中央八角形

约翰·泰勒爵士设计的楼梯厅（1884–1887年）。左侧是弗雷德里克·莱顿勋爵创作的奇马布埃著名圣母像

中央大厅，约翰·泰勒爵士的扩建部分

此建筑也是一座完美的艺术品

走进馆内，潮湿的衣角还带着室外的凉意，却被瞬间涌入的艺术气息包裹。没有卢浮宫的繁复安检，没有王室收藏的疏离感，暗红色地毯吸走了所有喧嚣，只有柔和的顶光静静倾泻在一幅幅画作上，仿佛为每一幅作品都筑起了独立的时空。大厅里，有人正摩挲着租来的中文导览器，有人捧着画册细细比对，空气中混合着纸张的油墨香与淡淡的木质画框气息，安宁得让人不忍出声。

我忽然想起它的由来：1824 年，议会为了不让银行家 Angerstein 的 38 幅珍藏流落海外，毅然筹款买下，只为给东区工人与西区贵族一个平等仰望艺术的机会。两百年过去，这份纯粹的初心化作免费开放的传统，让每个踏足此地的人，都能毫无门槛地与大师对话。

圣塞波尔克罗祭坛画，1347年 ，斯特凡诺·迪·乔瓦尼

我循着年代的脉络往里走，塞恩斯伯里翼楼的展厅里，14 世纪等早期的宗教画作泛着岁月的柔光。

杜乔·迪·布奥宁塞尼亚的《报喜》，1300年

英国或法国画派的《威尔顿双联画》，53 × 37cm，约作于1395-1399年，自1929年起收藏

真福安杰利科修士的《科尔托纳的圣母领报》

菲利波•利皮的《报喜》，约1450年

卡洛•克里韦利的《与圣埃米迪乌斯的天使报喜》，木板油画转印至画布，207 x 146.5厘米，1486年

桑德罗·波提切利的《耶稣诞生》，108.6 × 75cm，约作于1500年，自1878年起收藏

波提切利的《东方三博士的崇拜》约1470年，板上彩蛋画，50.2 × 136厘米

波提切利的《东方三博士的崇拜》1470–1475年，板上蛋彩画，直径130.8厘米

波提切利的《圣泽诺比乌斯早年生活的四个场景》，约1500年，板上蛋彩画 ，66.7×149.2厘米

波提切利《圣泽诺比乌斯的三个奇迹》约1500年 ，板上蛋彩画，64.8×139.7厘米

波提切利《东方三博士的崇拜》》，约1475–1480年，蛋彩画与油画画板，49.5 × 31.8厘米

汉斯·梅姆林的《多恩三联画》，中央画板 71 × 70cm，两侧画板 71 × 30cm，约作于1475-1480年，自

皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡的《耶稣受洗》，167 × 116cm，约作于1450年，自1861年起收藏

马萨乔的《圣母与圣子》，135.5 × 73cm，约作于1426年，自1916年起收藏

皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡的《耶稣降生》，124 × 123cm，约作于1470-1475年，自1874年起收藏

安德烈亚·曼特尼亚的《园中祈祷》，63 × 80cm，约作于1460年，自1894年起收藏

安托内罗·达·梅西那的《书房中的圣杰洛姆》，45.7 × 36.2cm，约作于1475年，自1894年起收藏

海特亨·托特·圣扬斯的《耶稣降生在夜晚》，34 × 25cm，约作于1480年，自1925年起收藏

乔尔乔内（?）的《悼念诗人》，60 × 49cm，约作于1500年，自1885年起收藏

皮萨内罗的《圣尤斯塔斯的异象》，54.5 × 65.5cm，约作于1435年，自1895年起收藏

乔瓦尼·贝利尼的《园中祈祷》，81 × 127cm，约作于1465-1470年，自1863年起收藏

罗吉尔•范德韦登《玛格达伦读经，》1435年

米开朗基罗的《埋葬》半成品，162 × 150cm，约作于1501-1506年，自1868年起收藏

保罗·乌切洛的《圣乔治与龙》，56.5 × 74cm，约作于1455或1470年，自1959年起收藏

皮埃罗·德尔·波拉约洛或/以及安东尼奥·德尔·波拉约洛的《阿波罗与达芙妮》，29.5 × 20cm，约作于1470-14

扬·范艾克的《阿诺菲尼的婚礼》，81.8 × 59.7cm，约作于1434年，自1842年起收藏

杨・凡艾克的《阿尔诺芬尼夫妇像》就藏在这里，比我在画册上见过的小得多，却精致得令人屏息。凑近了看，新娘绿裙上的织锦纹理根根分明，袖口的刺绣针法细腻得如同真实织物，吊灯的铜光仿佛能映出观者的影子，而凸镜里不仅有两位主人的微缩身影，更藏着窗外的街景与疑似画家本人的留痕 —— 尼德兰画派的 “放大镜式精度”，在这方寸画布上展现得淋漓尽致。

细节

扬·范·艾克《一个人的肖像（自画像？）》，1433年

桑德罗·波提切利的《维纳斯与战神》，69 × 173cm，约作于1485年，自1874年起收藏

波提切利的《维纳斯与战神》透着意大利文艺复兴的典雅，维纳斯的姿态柔美慵懒，肌肤泛着珍珠般的光泽，战神的铠甲冷硬锋利，背景里的小天使憨态可掬，每一根线条都藏着对人性与美的赞颂。我正想细细琢磨那些藏在细节里的暗号，先生的催促却在耳边响起 —— 我们只有一个多小时的时间，不得不加快脚步。

西翼的文艺复兴展厅堪称 “顶配天团” 聚集地。达・芬奇的《岩间圣母》静静悬挂。

伦敦

巴黎

《岩间圣母》是指列奥纳多•达•芬的两幅画板油画的统称，这两幅画构图基本相同，一幅画作于1483年至1486年，现藏于卢浮宫，另一幅画于1491年至1508年，现藏英国国家美术馆。

这幅画的特点很多。阴暗的画面，带出一种神秘感。颜色则是暖色。构图是一个带有充份安定感的三角形构图，以圣母玛利亚为顶。人物有交流，以手势来表达。人物的动作代表了心中所想。圣母有自然的微笑。用了薄雾法，做出晕染的效果。

《圣母与圣婴及圣安妮及施洗约翰》，约1499–1508年，伦敦国家美术馆

那幅被称为 “卡通” 的炭笔素描，与现代意义上的卡通毫无关联，意大利语中 “cartone” 的本意只是 “纸张”，却承载着大师耗时数年反复修改的心血。他曾为这组人物画过无数草图，只为捕捉圣母衣褶的自然流转与幼儿基督的天真神态，炭笔的笔触柔中带劲，既勾勒出人物的骨骼轮廓，又透着跨越时空的悲悯。

拉斐尔的《安西帝圣母》，1505年

不远处，拉斐尔的《安西帝圣母》让人心头一暖，圣母怀抱圣子的姿态温柔至极，眼神里满是慈爱，背景的田园风光淡雅清新，色彩柔和得如同初春的阳光，难怪有人说拉斐尔笔下的圣母，藏着人类对完美母亲的所有想象。

拉斐尔《粉红色圣母》，油画，面板27.9 x 22.4，1506-1507年

拉斐尔的《圣母圣婴》1509–1511年

拉斐尔的《圣母圣婴》，油画画格38.9 x 32.9，1509–1510年

拉斐尔的《亚历山大的圣凯瑟琳》，1507年-1508年

拉斐尔的《教皇尤利乌斯二世肖像》，约1512年

拉斐尔的《被钉在十字架的基督》，1503年

拉斐尔的《背负十字架的基督》油画板24.4 x 85.5，1504–1505年

拉斐尔《施洗约翰布道》，油画面板，26.2 x 52厘米，1505年

拉斐尔的《寓言》，1504年

小汉斯•霍尔拜因的《大使们》，1533年

隔壁墙面的荷尔拜因的《大使们》更藏着奇妙玄机，画底那坨看似扭曲的色块，唯有从侧边斜着看，才能解锁 “死亡密码”：一尊清晰的骷髅头，暗合 “人生无常” 的隐喻。画中两位大使身着华丽服饰，桌上摆满天文仪器、书籍与乐器，既是文艺复兴时期人文主义的写照，也藏着对生命有限的暗思。我试着侧过身，看清骷髅轮廓的瞬间，心头一震，却来不及细品这份哲思，便被人流推着走向下一个展厅。

委拉斯开兹的《镜前的维纳斯》，1644年

北翼的巴洛克展区里，艺术的张力扑面而来。委拉斯开兹的《镜前的维纳斯》散发着致命的吸引力，这位西班牙大师以柔和的笔触勾勒出维纳斯的背影，肌肤的质感细腻得仿佛能感受到温度，镜面中映出她恬静的面容，眼神淡然却有力量。据说这幅画曾因 “亵渎神明” 被女权主义者砍过 7 刀，修复师耗费数年时间，用与原作一致的颜料和技法小心翼翼填补刀痕，如今画框上已无痕迹，但那份跨越世纪的柔美与反抗精神，依旧让人驻足。

委拉斯开兹《棕色与银色的菲利普四世》，1635年

据古迪奥尔说，委拉斯开兹这幅用栗色和银色绘制的菲利普四世肖像画，约于1631-1636年间创作，是他为寻求视觉冲击而改变技法的早期作品之一。整体似乎捕捉得非常细致，但他通过污渍和不规则的笔触实现了裙子和袖子的效果。

鲁本斯的《劫夺留西帕的女儿》，1617年

不远处，鲁本斯的《劫夺留西帕的女儿》充满了戏剧张力，肌肉虬结的男子策马奔腾，血管在皮肤下隐约可见，女子的衣裙在风中翻飞，色彩浓烈奔放如火焰，每一笔都透着生命的热烈与激情，与委拉斯贵支的内敛形成鲜明对比。而伦勃朗的两间专属展室，是我强留了几分钟的角落。

伦勃朗专属展厅

《伦勃朗34的岁自画像》

34 岁的自画像里，他身着皮领黑袍，神情沉稳得像位体面的商人，眼神却越过观者，望向遥远的、未知的远方 —— 那时的他大概不会想到，往后的人生会有破产、丧妻、众叛亲离的潦倒。

《63岁自画像》，1669年，也是伦勃朗过世的那一年，面容看来比其他自画像苍老许多

伦勃朗第一任妻子

伦勃朗第二人妻子

伦勃朗第三任妻子 《溪边沐浴的女人》

另一幅《溪边沐浴的女人》，光线温柔得像一层薄纱，女人的肌肤带着不完美的褶皱与斑点，却比任何完美的雕像都更具生命力，当代雕塑家卡普尔说这幅画让他看懂了 “带着瑕疵的伟大”，此刻我站在画前，终于懂了这份动容。

伦勃朗的《伯沙撒的盛宴》，1635年

《伯沙撒的盛宴》是伦勃朗1635年的作品，内容取自旧约圣经中十大先知书之一的《但以理书》。

范・戴克的《查理一世的骑马肖像》

皇家肖像区，范・戴克的《查理一世的骑马肖像》让人眼前一亮。那匹骏马姿态挺拔昂扬，鬃毛在风里拂动，肌肉线条流畅得如同蓄着无尽的力量，神骏非凡；马上的查理一世身着华服，姿态骄傲却带着一丝不易察觉的脆弱。这幅画历经波折，克伦威尔时期曾被拍卖，王朝复辟后才重归公众，它不仅是一幅精美的肖像，更是一面政治的镜子，时刻警示着人们这位国王最终被送上断头台的悲惨结局。我想伸手去描摹马背上那流畅的线条，却只摸到冰冷的空气，同行者的脚步又在催了。

范・戴克的《科内利斯•范德赫斯特肖像》，看点：眼神！

范・戴克的《多萝西•萨维奇，安多佛子爵夫人与她的妹妹伊丽莎白，廷布尔比夫人的肖像》

范•戴克的《约翰•斯图亚特勋爵和他的兄弟伯纳德•斯图亚特勋爵》，约1638年

范・戴克的《圣安布罗斯禁止狄奥多西进入米兰大教堂》

范・戴克以写实技巧和光影塑造见长。画面注重体积感与空间深度，人物形象立体饱满，面部光线集中，背景多以暗色衬托主体，形成鲜明对比。人物姿态优雅，手部动作精致，服饰质感表现细腻，体现出高度的绘画技巧。构图稳定而富有戏剧性，尤其在历史与宗教场景中，通过对角线和群像布局增强动势与张力。整体风格庄重典雅，强调身份、气质与权威感。

克洛德·莫奈的《睡莲池》

脚步不由自主地迈向东翼，那里藏着印象派的璀璨光芒，是人声最热闹的所在。41 室的莫奈《睡莲池》比想象中更具冲击力，紫色、粉色与淡青交织的笔触，在画布上晕染开雨后水面的震颤感，睡莲的花瓣边缘模糊，仿佛下一秒就要融入水中，桥的倒影扭曲却和谐，营造出虚实交织的诗意。一位穿墨绿色毛衣的女孩静立画前，侧影与画中的光影融为一体，那一刻，艺术与观者仿佛达成了无声的共鸣。我多想也站在那里，让目光沉浸在那片朦胧的诗意里，却只能匆匆按下快门，将这份美好定格在镜头里，转身奔向 45 室。

克洛德·莫奈的《睡莲》，晚年白内障严重时的作品

克洛德·莫奈的《落日睡莲》

克洛德·莫奈的《蛙塘》

《蛙塘》是莫奈早期印象派探索的重要作品之一。画面描绘塞纳河畔的休闲景象：小舟、栈桥、戏水的人群在斑驳的树影与水光中交织。

这幅画最动人的地方在于“光与水”的处理——

水面以短促、跳跃的笔触表现，波光被切割成碎片般的色块，生动而流动。

人物并不刻画细节，而是融入整体氛围之中，成为光影的一部分。

色彩以清新的绿与蓝为主调，点缀红与白，使画面既凉爽又富有生机。

莫奈在此摆脱了学院派的精细描绘，转而捕捉瞬间的光感与空气感。这种“未完成式”的笔触，正是印象派精神的核心——不是再现形体，而是再现感觉。

如果说学院绘画强调“看清”，那么《蛙塘》强调的是“看见”。

莫奈的《勒阿弗尔博物馆》

莫奈的《女人坐在长椅上》

莫奈的《特鲁维尔海滩》

莫奈的《圣拉扎尔车站》

莫奈的《塞纳河小支线在阿尔让特伊》

莫奈的《威斯敏斯特下方的泰晤士河》

莫奈的画人见人爱，永远看不够。

大Boss在这里，被人泼番茄酱的向日葵。

两个00后的可笑行为引发众怒

梵高5.8亿《向日葵》被泼番茄酱，人们不得不对这样可笑的行为予以了高度关注，艺术爱好者们愤怒不已！

梵高的《向日葵》果然如传说中那般，被人群围得水泄不通。十五朵向日葵在画布上燃烧，那不是阳光下的明黄，而是暗夜中依旧炽热的光芒，是画家等待高更时满心的期盼与孤勇。我在屏幕上、画册上见过无数次这幅画，却唯有站在原作面前，才能感受到颜料堆砌的厚重与情感的喷薄 —— 每一笔都是直接挤着颜料管堆砌而成，粗糙的肌理里藏着滚烫的灵魂。据说梵高画这组向日葵时，特意选用高饱和度的黄色颜料，只为让房间显得温暖，迎接挚友的到来，可高更只住了九周便匆匆离去。可拥挤的人群容不得我久留，只能在缝隙中凝望片刻，便被人流推着离开，连画中那朵半颓的向日葵，都没来得及看清它的姿态。

编辑

毫不隐晦地说，笔者是个梵高迷，收集了他所有的画的图片，看过无数次，可当自己站在这些真迹面前时，心情如同无声的海啸——表面平静，心里早已翻江倒海。朝圣般的“不真实感 ”与梦幻般的恍惚交织，我反复确认眼前的肌理和笔触，细心体验他曾说这些画的线条也在“说话”。

雷诺阿的《煎饼磨坊的舞会》，1876年

隔壁展厅里，雷诺阿的《煎饼磨坊的舞会》透着市井的欢腾，暖黄的光影里，舞者的裙摆飞扬，笑脸相映，空气里仿佛飘着香槟的甜香与舞曲的旋律，那份对生活的热爱，隔着画框都能感受到。

转过身高更画作映入眼帘。

高更的作品以色彩表现为核心，体现出明显的主观性与象征意味。画面中运用大面积色块进行组织，色彩浓重而富有装饰性，不追求自然光影的真实，而强调情绪表达与精神内涵。空间处理趋于平面化，透视关系被弱化，轮廓线清晰明确，使画面具有较强的装饰效果和形式感。人物造型相对简化，气氛宁静而略带神秘，整体呈现出内省、诗性与象征性的艺术特征。

透纳的《被拖去解体的战舰无畏号》，1876年

再往前，透纳的《被拖去解体的战舰无畏号》让我驻足良久。这幅英国浪漫主义的杰作，以朦胧的光影描绘了战舰的最后旅程 —— 它曾参与拿破仑战争，立下赫赫战功，退役后却被拖去拆解。画面上海面的雾气与落日的余晖交织，战舰的轮廓在烟云中若隐若现，悲壮中透着诗意，透纳对光影的极致追求，让现实与梦境在此刻交融。

约翰·康斯特布尔 的《干草车》，1821年

旁边康斯太布尔的《干草车》则满是田园气息，乡村的小河清澈见底，绿树浓荫蔽日，缓缓驶过的干草车溅起细碎的水花，色彩清新自然，仿佛能闻到泥土的芬芳与青草的气息，那是英国乡村最质朴的美好。

卡拉瓦乔的《被蜥蜴咬伤的男孩》

卡拉瓦乔《以马忤斯的晚餐》，1601年，画布油画，139x195厘米

卡拉瓦乔有一种引人注意的才能，他能把重要事件的经过以一个非常活泼的场景表现出来。《以马忤斯的晚餐》描述门徒认出基督的时刻：在旅馆主人眼中，之前他是一个哀悼耶稣去世的旅行者，但这一刻之后，他就成了救世主。

法国画家保罗•德拉罗什的《简•格雷的处刑》

《简·格雷的处刑》是法国画家保罗·德拉罗什的一幅油画，创作于1833年。这幅画在19世纪非常受欢迎，但在20世纪，现实主义历史画失去了评论家的青睐，数十年束之高阁。1975年修复后再次展出，立即再次成为非常受欢迎的作品，尤其是对年轻游客。

这幅画在某些方面错误地描绘了简·格雷的死。她于1553年7月10日被宣布为英格兰女王，但九天后被废黜，并于1554年被处决。由于简的统治时间短，她有时被称为“九天女王”。

17岁的女王披着浅褐色长发，白绸裙拖在地上，摸索着断头台的位置。她不是悲壮，而是茫然——那种“还没明白发生了什么，就被推到这里”的茫然。

霍加斯《婚姻的现代习俗》

雨不知何时开始落下，敲打着美术馆的玻璃窗，发出细碎的声响。我踩着地毯，在各个展厅间仓促穿梭，

卡拉瓦乔《被蜥蜴咬伤的男孩》

卡拉瓦乔《被蜥蜴咬伤的男孩》里冷硬的明暗对比、德拉罗什《简・格雷的处刑》中少女茫然的指尖、

霍加斯《婚姻的现代习俗》

霍加斯《婚姻的现代习俗》里的社会讽刺、尚塞画作的柔和色块…… 那些只在艺术史课本上见过的名字与作品，此刻都鲜活地呈现在眼前，却又像指间的流沙，无论如何紧握，都留不住足够的欣赏时间。还有那些我心心念念却未曾谋面的杰作，只能在地图上匆匆标记，成为心头的遗憾。

提香，这里有满屋子提香：

提香《杰罗拉莫肖像（？）巴巴里戈》，1510年

脸部细节太精彩

蒂齐亚诺•韦切利奥，常简称提香（拉丁语：Titianus），他是意大利文艺复兴后期威尼斯画派的代表画家。提香出生于意大利东北部阿尔卑斯山地区的卡多列，10岁时随兄长到威尼斯，在乔瓦尼•贝利尼的画室学画，与画家乔尔乔内是同学。

在提香所处的时代，他被称为“群星中的太阳”，是意大利最有才能的画家之一，兼工肖像画、风景画及神话、宗教主题的历史画。他对色彩的运用不仅影响了文艺复兴时代的意大利画家，更对西方艺术产生了深远的影响。

提香的《一位女士的肖像（拉·斯基亚沃纳）》，约1509–1510年，117×97厘米

提香的《圣母与圣婴与施洗约翰及圣凯瑟琳（阿尔多布兰迪尼·麦当娜）)》，约1532年，100.6 × 142.2厘米

提香的《不要碰我》，约1511–1515年，109 × 91厘米

提香的《巴克斯与阿里阿德涅》，约1522–1523年，175×190厘米

提香的《文德拉明家族肖像》，约1540年

提香《阿克泰翁之死》，1567年

这座没有 “镇馆之宝”，却处处是瑰宝的美术馆，藏着西方艺术史的千年脉络，从 1250 年的古老画作到 20 世纪初的创新之作，从基督教的神圣叙事到印象派的光影实验，每一幅作品都在诉说着人类对美的追求与思考。而我，带着朝圣的热忱而来，却只能以走马观花的仓促收场，那种遗憾，如同被人在心头轻轻割了一刀，钝痛而绵长。

走出美术馆时，雨水打湿了我的头发，却浇不灭心中的眷恋。我回头望了一眼那座在雨中依旧庄严的古典建筑，两千余幅画作的光影在脑海中交织：范・艾克的细腻、波提切利的典雅、拉斐尔的温柔、伦勃朗的深沉、委拉斯开兹的柔美、梵高的炽热、透纳的诗意…… 或许，遗憾本就是这场朝圣的一部分，它让那些匆匆瞥见的美好更加深刻，也让下一次的重逢有了更充足的期待。伦敦的雨还在下，但我知道，总有一天，我会再次站在这里，不带仓促，不问时间，只为与那些大师的作品，进行一场真正沉静而完整的对话。

留下那些见到的和没见的最爱：

最后两幅是英国画家乔治•斯塔布斯（George Stubbs）的作品。斯塔布斯以他的马画而闻名。其作品包括历史画，但或受到他对解剖学的研究和热爱的影响，他最擅长画动物，18世纪后期出现的浪漫主义运动时，他画了以狮子攻击马为主题的系列画作。他的《哨子杰克》（Whistlejacket）《下图》收藏在伦敦国家美术馆。

斯塔布斯笔下的骏马，昂首挺胸，鬃毛轻扬，肌肉线条优雅而有力量。它后腿稳健有力，前蹄腾起，仿佛正蓄势待发，既有贵族般的从容，又有奔腾千里的气魄。那温润而坚定的眼神，似乎在凝望远方，也像是在向我们传递勇气与希望。

值此中国马年之际，借这匹优雅而充满力量的骏马，送上最真挚的祝福：

愿你在新的一年里——

像骏马般昂首前行，步履坚定，心怀远方；

像骏马般精神饱满，活力充沛，意气风发；

在事业上“马到成功”，在学业上“一马当先”；

在生活中“龙马精神”，在家庭里温暖相伴、幸福安康。

愿每一份努力，都化作奔腾的力量；

愿每一次起步，都迈向更辽阔的天地；

愿马年的风，带着希望与吉祥，吹进千家万户。

摄影︱屈兰根

文︱潘天翠

部分图片源自《维基百科》及其它英文网站

发布于：美国